Como canta una ciudad de noviembre a noviembre

Granada tierra soñada por mí,
Tu cantar se vuelve gitano
Cuando es para ti.

Granada tierra ensangrentada
en tardes de toros,
mujer que conserva el embrujo de unos ojos moros…
Tierra de lindas mujeres, de sangre y de sol…

A pesar de la lluvia yo he salido
a tomar un café. Estoy sentado
bajo el toldo tirante y empapado
de este viejo Tortoni conocido.

(Baldomero Fernández Moreno)

Granada1, ciudad cantada por Federico García Lorca desde sus vivencias, desde sus recuerdos, desde una tradición multirracial, que hace que su romancero viejo sea una maravilla entre una Castilla conquistadora y cristiana, con su mundo cerrado de moral de convento, con sus procesiones de encapuchados, su fanatismo anti todo lo que no responda al dogma de un catolicismo sordo al mundo; y una ciudad que recuerda desde las piedras de la Alhambra su pasado moro; con sus jardines colgantes, su música y su poesía. Granada ciudad de cantares y dolores, que vive las cuatro estaciones como momentos de la vida real de los granadinos, que asumen la naturaleza en su propia naturaleza. Ese mundo se traslada una tarde de sábado, de un verano que comienza a dar las punzadas de su carácter, en uno de los escenarios del Tortoni2, en un Buenos Aires multicultural de pasado español y cosmopolita, que recibió al poeta antes de su trágico fin. El relato en la voz de las actrices, que desdoblan la personalidad del poeta, y el romancero3 en la voz de la cantante que desgrana no sólo poesía sino la historia menuda de la ciudad, se presentan en una relación fluida que inunda el espacio escenográfico de esencia lorquiana. La propuesta de Marc Fleta es reconstruir la figura del poeta en sus distintas facetas, a partir de su especial mirada de Granada compenetrada con la música, con la naturaleza, con los olores y los sabores.

El año tiene cuatro estaciones, a saber, Invierno, Primavera, Verano y Otoño.
Granada tiene dos ríos, ochenta campanarios, cuatro mil acequias, cincuenta fuentes, mil y un surtidores y cien mil habitantes […]

Estos cantos son la fisonomía de la ciudad y en ellos vamos a ver su ritmo y su temperatura.

Hemos llegado a Granada a finales de noviembre. Hay un olor a paja quemada y las hojas en montones comienzan a pudrirse. Llueve y las gentes están en sus casas.
Cuatros mujeres en el espacio escénico despojado, porque no es necesario ningún elemento para poner en escena la visión de mundo de Lorca. Mujeres que con profesionalismo corporalizan el juego entre los sonidos, los tonos y la musicalidad del texto primero. Al recitar y al cantar los poemas lorquianos van reconstruyendo a través de muestra memoria colectiva las distintas emociones y sentimientos del mítico poeta. La simple caja o cajón en un extremo espacio lúdico - instrumento de percusión idiófono-  y la voz Ruth Palleja para remarcar el climax lorquiano. Mientras en el otro extremo las tres actrices parecen despojar al poeta de tantas construcciones e interpretaciones teóricas. A partir del vestuario en tonos pasteles y de sus desplazamientos en una invisible cuadrícula permiten que sea el texto poético que de cuenta del espacio virtual representado, espacio que estalla en cada palabra, en cada acento, en cada sonido de palmas o de tacos. El tiempo mítico de Lorca y del Tortoni con el tiempo histórico – de 1933, el momento de la Conferencia, y de 2011- se contaminan, y el espectador ha dejando entre paréntesis su cotidianidad durante el tiempo real del espectáculo. Además, el programa de mano nos devuelve algo que quisiéramos olvidar: los cuatros rostros femeninos están con los ojos vendados impidiendo la percepción del sentido de la vista, bien podemos pensar en la ejecución del poeta. O bien, quizá, podemos pensar que la propuesta del texto espectáculo sea que al universo lorquiano hay que construirlo a partir de las imágenes auditivas, y así el espectador sensible puede conmoverse con el duende lorquiano.3a

Como canta una ciudad de noviembre a noviembre de Federico García Lorca. Actrices: María José Moreno4, Carmen de la Osa5, Ruth Palleja6, Pepa Luna7. Maquillaje: Flor di Castro. Iluminación: Juan Martín Rosende. Gráfica y foto: Kitty Sangiovanni. Dirección: Marc Fleta8. Espacio: El café Tortoni.  

García Lorca, Federico (1998) Antología poética. España: Plaza Janés. 

http://www.comocantaunaciudad-laconferencia.blogspot.com/

1 Fue capital del Reino Zirí de Granada, durante el siglo XI, y del Reino Nazarí de Granada entre los siglos XIII y XV. Tras la toma de la ciudad por los Reyes Católicos, se mantuvo como capital del Rein castellano de Granada, que ya era una simple jurisdicción territorial y mantuvo el reinado hasta 1833, momento en que se produjo la división territorial de España. Su escudo municipal ostenta los títulos de «Muy noble, muy leal, nombrada, grande, celebérrima y heroica ciudad de Granada».

2 El Café Tortoni fue fundado en 1858 por el francés Jean Touan. En aquellos tiempos en que Buenos Aires era una aldea y estaba lejos de ser la gran urbe que hoy en día es. Fue construido como réplica del bar de mismo nombre de París, que también fue la meca del mundo cultural de esa ciudad europea. El Café Tortoni, ubicado en el 825 de la Avenida de Mayo, en la Ciudad de Buenos Aires, es el más representativo del espíritu tradicional de dicha avenida y una leyenda de la ciudad. En él funcionó la peña literaria de mayor predicamento de Buenos Aires, liderada por el pintor Benito Quinquela Martín. Fue una idea que Quinquela Martín adquirió en un viaje por Francia y decidió poner en práctica en su país dado que cuando regresaba al mismo lo esperaban amigos, colegas que disfrutaban de la buena conversación y no disponían de un espacio adecuado para reunirse. Esta peña había nacido en el café La Cosechera (calle Perú y Avenida de Mayo), trasladándose luego a las mesas del Tortoni. Como con el tiempo el lugar quedó chico, Curutchet ofreció la bodega de vinos para que se pudieran reunir con más comodidad, trasladando la vinería a otro lugar. Así la sede de la peña, a la que autodenominaban Agrupación Gente de Artes y Letras, se inauguró el 24 de mayo de 1926, y realizó tareas de difusión cultural mediante conciertos, recitales, conferencias, debates, etc. Entre los asistentes se encontraban Alfonsina Storni, Baldomero Fernández Moreno, Juana de Ibarbourou, Arthur Rubinstein, Conrado Nalé Roxlo, Ricardo Viñes, Roberto Arlt, José Ortega y Gasset, Jorge Luis Borges, y Molina Campos entre otros. Las mesas vieron pasar figuras de la política como Lisandro de la Torre, Ernesto Palacios y Marcelo Torcuato de Alvear; figuras populares como Carlos Gardel (quien cantó una vez un tango en homenaje al autor italiano Luigi Pirandello, que acababa de dar una conferencia en La Bodega) y Juan Manuel Fangio; prestigiosas figuras internacionales como Albert Einstein y Federico García Lorca; y jefes de Estado como Juan Carlos de Borbón.
 
3 El romance es un poema característico de la tradición oral, y se populariza en el siglo XV, en que se recogen por primera vez por escrito en colecciones denominadas romanceros. Los romances son generalmente poemas narrativos de una gran variedad temática, según el gusto popular del momento y de cada lugar. Se interpretan declamando, cantando o intercalando canto y declamación.

3a  Según Allen Josephs,  Lorca explicó que “el duende es el ‘espíritu de la tierra’, que produce ‘un entusiasmo casi religioso’, que es un ‘poder misterioso que todos sienten y ningún filósofo explica’, y que viene de un ‘fondo común incontrolable y estremecido’.” (1998: 8-9)

4 María José Moreno, es actriz de teatro, cine y televisión, nacida en Úbeda, Andalucía, España. De allí se traslada a Madrid y realiza estudios de interpretación y arte dramático en el ITA. Cuando finaliza sus estudios decide formar una compañía con actores del Instituto y amigos bajo la dirección de Pascual Álvarez, que denomina “Taumaturgos”, es decir, personas que hacen cosas prodigiosas.
5  Carmen de la Osa es una actriz formada en el Centro Andaluz de Teatro y Teatro de Armilla donde se especializa en textos e improvisaciones sobre Federico García Lorca y la Generación del 27. En la ciudad de Buenos Aires, se forma entre otros con Constanza Maral, Clodet García, Marcelo Savignone y en las escuelas: Sportivo Teatral y Escuela de Serrano. Además toma clases de Improvisation contact, narración oral con Ana María Bovo y locución y doblaje en el centro Ibero. Entre sus últimos trabajos destacan: “El Anzuelo”, diversos videoclips musicales; ayudante de dirección en “Hoy es siempre todavía” presentado en la escuela de Comercio Carlos Pellegrini;”Bohemia no toma clases de chino” (editándose) “Minuto infinito”, “Amor delirio y Paranoia”,” ¡Córtala!”, “El otro” y “Brilla”; Serie de Cortos para Gata Gala Producciones (editándose) y algunos proyectos teatrales de AEBA. Además es licenciada en Traducción e Interpretación (Francés e Italiano) por la escuela de Traductores de Granada y Estrasburgo, Teoría de la literatura y literatura Comparada y una Tesina en Filología Hispánica sobre autores del 27 entre otros.

6 Ruth Palleja es actriz de teatro y cine; cantante nacida en Barcelona que llega al país en el 2006, donde reside actualmente. Formada en actuación en las escuelas “Coco Comín”; “Col.legi de Teatre”, “Aules” y con Txiki Berraondo, también tomó clases particulares de canto con Isabel de Llano y Benjamín Davis en España, en Buenos Aires, cursa seminarios con Mónica Viñao y Jorge Rod (Método Suzuki) y Juan Carlos Gené. Participó en Mujeres de ambas clases de Sanchis Sinisterra; Las voces de Penélope de Itziar Pascual; La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca; Tetris de Jordi Casanovas; Asunción de Ricardo Monti, entre otras.

7 Pepa Luna es actriz y cantante asturiana que comenzó su andadura coprotagonizando obras de teatro como "Squash" y "Parle moi d´amour" dirigida por Oliver Luccioni y Óscar Puentes. Compaginaba sus primeros pasos teatrales con sus inicios musicales, que la llevaron a cantar en diferentes locales y, a través de su voz, poder transmitir su gran pasión por la música. Actualmente, sigue llevando su voz a lugares como "Mamá Irlanda" en Pozuelo de Alarcón. Su debut en la pequeña pantalla fue de la mano de Fernando Colomo en la serie "Los 80", seguido de "7 días al desnudo", de Jesús Font. En la gran pantalla tuvo el gran privilegio de participar en la película "Camarón" bajo las órdenes de Jaime Chavarri. Durante el 2009, se subió de nuevo "a las tablas" bajo las órdenes de Antonio Cantos en el café-cabaret titulado: "¿Dónde están los hombres?"

8 Marc Fleta es Marc Fleta Huguet es actor y director. Realizó estudios de teatro con Berty Tovias Lecop-Paris, en Barcelona. Participó en “Roberto Zucco” dirigida por Jordi Forcadas, entre otras. Actualmente estudia en Buenos Aires con Eliseo Subiela, y realiza cortometrajes y documentales. Integra AEBA (Asociación de actores españoles). Además, dicta clases de teatro en la Casa de Cataluña en Buenos Aires, estudia guión y producción en S.I.C.A y dirige “Como canta una ciudad de noviembre a noviembre” de Federico García Lorca, a estrenarse en octubre en Café Tortoni.

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Seminarios de verano

seminarios de febrero 

abierta la inscripción

 

LA IMAGINACIÓN Y VERDAD EMOCIONAL DEL ACTOR

COMO POTENCIA CREADORA

Seminario dictado por Francisco Lumerman y Lisandro Penelas

Duración: 8 encuentros de 3 horas cada uno.

Día y horario: del 7 de febrero al 1 de marzo, martes y jueves de 20 a 23hs.

Dirigido a personas con experiencia previa en estudio teatral.

S E M I N A R I O   D E   I N I C I A C I Ó N   A L   C L O W N

Seminario dictado por Lisandro Penelas

Duración: 8 encuentros de 2 horas cada uno.

Días y horarios: del 7 de febrero al 1 de marzo, martes y jueves de  18 a  20 hs.

S E M I N A R I O   D E   D R A M A T U R G I A

Seminario dictado por Francisco Lumerman

Miércoles de febrero: 4 encuentros de 2horas cada uno. Miércoles de  20 a 22.

 

toda la info en: 

http://moscuteatro.blogspot.com/2011/07/seminario-la-imaginacion-y-verdad.html 

talleres anuales

abierta la inscripción

 

 

 

Se dictan talleres de actuación en niveles de iniciación, de intermedios y de avanzados. En la última etapa de formación se realiza un taller montaje.

En todos los casos, el proceso anual se cierra con el trabajo sobre una obra en una muestra que integre todo lo trabajado a lo largo del curso.

toda la info en:

http://moscuteatro.blogspot.com/2009/12/abierta-la-inscripcion-los-talleres-de.html

 

INFORMES E INSCRIPCIÓN

2059-5252 / 15 6840-1817

talleresdeactuacion@yahoo.com.ar

http://www.moscuteatro.blogspot.com/

Brick de Camila Fabbri

Diez y nueve años había vivido como quien sueña: miraba sin ver, oía sin oír, se olvidaba de todo, de casi todo. Al caer, perdió el conocimiento; cuando lo recobró, el presente era casi intolerable de tan rico y tan nítido, y también las memorias más antiguas y más triviales. Poco después averiguó que estaba tullido. El hecho apenas le interesó. (…) Ahora su percepción y su memoria eran infalibles.

(Borges, 1967, 122/123)

Si Funes el memorioso, en el cuento de Borges, no podía olvidar nada y recordaba cada detalle con fidelidad fotográfica, los personajes de Brick olvidan cada dos horas su vida anterior y deben reconstruirla como un puzzle incierto. En un espacio escénico donde la buena distribución de elementos permite que las acciones y los diálogos se desarrollen en la extraescena, tres obreros calificados de la construcción tienen la misión de levantar, en un lugar alejado y perdido de la civilización, un edificio. Brick, ladrillo en inglés, es el pequeño objeto irremplazable para levantar, planos mediante, lo pedido, como en un juego de mecano, donde una a una las piezas dan consistencia y coherencia al todo. Pero eso es imposible de llevar adelante, si cada vez la memoria se pierde, el camino se bifurca y la duda y el desconcierto hace que siempre estemos comenzando sin acordarnos que fue lo que hicimos anteriormente.  Uno podría afirmar que lo que Camila Fabbri se propone es una metáfora perfecta del país, territorio propio que debe buscar permanentemente rescatar del olvido los hechos, volver una y otra vez sobre lo realizado, tratar de recordar quienes éramos, quienes somos y hacia dónde vamos, para poder construir a partir de la continuidad y no del abismo, del salto al vacío. Dos niveles de narración, una la aparentemente realista, que sucede entre tres obreros y sus diferentes obligaciones en relación a la construcción de un edificio, y la simbólica que paso a paso va deconstruyendo esa realidad para introducir al espectador en un laberinto de sinuosidades inesperadas. Los actores dan encarnadura con eficacia a esos seres extraños que olvidan con facilidad, pero que luego vuelven sobre sus pasos, que se aman, pero piensan en otros amores, o que recortan figuras para dar cuerpo al estallido de una memoria que necesita estar viva. Sus gestos son exactos en la composición de los obreros de una construcción en la que se les va la vida, y en donde la vida transcurre en el vaivén entre la memoria y el olvido. Son creíbles, a pesar de lo aparentemente absurdo de la situación, consiguen que sigamos su juego; el teatro se trata de eso, de jugar a ser otros, y de recuperar lo ausente. Lo cotidiano se transforma en lo siniestro, porque nada de lo que debe pasar, sucede, y las certezas dejan paso a la desconfianza. Construir a partir de obviar los cimientos, de no recordar lo anterior es una tarea imposible de realizar, por más voluntad y buenas intenciones que pongamos en el trabajo. Andamios, paredes sin revoque, tachos de materiales, dan espesura al espacio detenido, mientras el tiempo que lo atraviesa en un círculo interminable está marcado por el remedio para recordar, y el teléfono que es el único hilo que comunica el afuera y el adentro. ¿A dónde han sido enviados estos obreros para construir qué, quién los manda, a quién obedecen? El pasado retorna infalible en la música y en el programa de televisión, viaje al túnel del tiempo que hace imposible el anclaje en un presente histórico simultáneo con el del espectador. Procedimiento que resemantiza el punto de vista de la autora en el cruce entre la memoria y el olvido; todo vuelve en un inmenso ritornelo porque todo es olvidado una y otra vez, invariablemente. Eso nos hace no salir nunca de ese círculo infernal donde el mundo queda sin construir, vacío, mudo espacio que une sólo por el espanto a quienes lo habitan. Lo inquietante es que ese universo a medio realizar, es absolutamente masculino, donde la mujer es una voz, una foto, o los cuerpos recortados de una revista; masculinidad puesta en abismo ante la necesidad de afecto, que produce relaciones sin mujeres pero cargadas de feminidad.  Las relaciones de los hombres en estado de aislamiento, elegidos o no, la amistad /amor entre hombres que comparten el mismo destino heroico es caro a nuestra literatura. La mujer ajena a esa complicidad siempre permanece en una sombra que es recuerdo, en este caso perdido en la nebulosa de una mente que tiene la posibilidad de olvidar.  Brick es la primera obra de Camila Fabbri, y es una sugerente lectura para una joven realizadora de una temática áspera desde el lugar de lo no literal.

Brick de Camila Fabbri. Elenco: Mario Sala, Bruno Campos, Julián Infantino. Luz: Leo D’aiuto. Escenografía: Julieta Potenze. Diseño gráfico: Altair Mon. Asistente de dirección: Ramiro Bailiarini. Dirección: Camila Fabbri. Espacio Granate.

http://www.bricklaobra.blogspot.com/

http://espaciogranate.blogspot.com/

http://www.espaciosescenicosautonomos.blogspot.com/

Borges, Jorge Luis, 1967. Ficciones. Buenos Aires: Emecé.

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Gacetilla | FUERA!

Sinopsis

María Peligro en su pequeño mundo, su pequeña vida. Desde la desaparición de sus padres ella hace como si nada hubiera pasado, como si ellos todavía estuvieran allí. Perpetuando los gestos de su vida cotidiana, ocupa sus días a mantener y borrar el tiempo que pasa, con la obsesiva ilusión de preservar lo que se fue. Hoy es el día de su cumpleaños y María, cansada de que sus recuerdos la invadan, decide transformar esta triste historia en un delirio terriblemente cómico.

 

Sobre Leticia Vetrano

Detrás de María Peligro encontramos a la argentina Leticia Vetrano quien, desde pequeña, pasa gran parte de su tiempo entre la gimnasia artística y la danza clásica. En 1994, descubre el mundo del circo y recorre distintas escuelas de Buenos Aires donde se especializa en acrobacia y contorsiones. En el año 2000 se incorpora al elenco del Cirque XXI como acróbata. En el 2001 aterriza en la "Escuela de Circo Carampa" (Madrid), y se forma en acrobacia, danza y clown. Recorre España, Italia, Suiza y Holanda trabajando en distintos espectáculos callejeros. En 2004 llega al "Espace Catastrophe" (Bruselas), donde nace María Peligro. En 2007 crea su primer unipersonal de sala FUERA!.

 

Leticia Vetrano cuenta con formación integral para profesionales en L'Espace Catastrophe (Bruselas). Realiza teatro gestual con Philippe Gaulier (Francia), Micheline Vandepoel (Bélgica), Vincent Lecler (Bélgica), Norman Taylor (Inglaterra) y Marcelo Savignone (Argentina). Realizó cursos intensivos y seminarios de clown con Micheline Vandepoel (Bélgica), Kevin Brooking (USA), Jean Mening (Francia), Cedric Paga (Francia), Lila Monti, Mariana Barbera y Erica Ynoub (Argentina), Tom Roos (Bélgica), Gabriel Chamé (Argentina).

 

Se presentó, entre otros, en el Théâtre des Doms (Avignon), Festival de circo "Piste de Lancement" (Bruselas), Teatro Royal de la Monnaie (Bruselas), Festival de Circo "Beaumarchais", Theatre du Rond-Point (Paris), Festival Internacional de Pallasses d'Andorra (Andorra), "Clownin, International Clown Festival" (Viena), Festival Internacional de Teatro "El Cervantino" (México), Festival de Payasos de Cornellá (Cornellá), Feria de Artistas Callejeros "UMORE AZOKA" (Leio), Feria del Teatro (San Sebastián), Festival Internacional de Teatro "Tutti matti per Colorno" (Parma), Festival de circo-teatro "Cirk-Fantastik" (Florencia), Festival de Circo-teatro "Frutos" (Teruel).

 

Ficha artística-técnica

De y con: Leticia Vetrano

Dirección: Micheline Vanderpoel

Coaching: Kevin Brooking

Diseño de luces: Thyl Benies

Vestuario: Natalia Fandiño

Escenografía: Cía. María Peligro Project y Micheline Vanderpoel

Producción: Cía. María Peligro Project

Co-producción: Espace Catastrophe (Bélgica)

Con el apoyo del Ministerio de la Comunidad Wallona Bruselas/Servicio de artes circense y artes de la calle.

Producción en Buenos Aires: Lila Monti

Fotografía: Caroline Frank - Clownin 2010 y Amondine Dooms

Prensa: Marisol Cambre

 

 

Rescate Emotivo (No Pasa Res) de Walter Velázquez 1

En el íntimo Teatro del Pasillo, la Compañía Internacional de Comediantes Sin Pulgares presentó a Rescate Emotivo (No Pasa Res). El sábado 17 de diciembre fue una nueva despedida, pues Velázquez desde hace ya tiempo viene llevando a Don Carlos Calostro Meconio por distintos escenarios de España y de Latinoamérica. Pero ¿quién es este payaso argentino de casi 85 años? Con profesionalismo Walter Velázquez construye a este clown reflexivo, un payaso para adultos que muestra cierto temor ante la inocencia de los niños. Calostro desde el inicio de la obra mira al público de manera insistente, pero su mirada no incomoda sino que crea la complicidad necesaria con el espectador; su trabajo corporal da cuenta de la preparación física y de la técnica vital para llevar el relato por un camino zigzagueante y escabroso, con desvíos de humor. La participación del público es espontánea y el intérprete está atento a cada simple reacción. El unipersonal es una puesta en abismo al imbricar un tema dentro de otro, y como en los partidos de ping-pong de dobles el saque es correcto y la pequeña “pelota” es recibida por el público, sin caer en el vacío. En el espacio escénico son pocos los elementos –un andador para ancianos, una mesita preparada para con una picadita, una banqueta alta- y con la utilización de la pantalla nos ayuda a reconstruir nuestra memoria colectiva: la sucesión de guerras y conflictos, la saturación de los medios televisivos y el cierre emotivo para el final. El monólogo de Calostro es un relato de vida que se balancea entre la memoria y el olvido (mal de Alzheimer - la amnesia social), entre lo público y lo privado, entre la realidad y la ficción. El lenguaje audiovisual crea una suerte de fusión entre este relato de vida desde el espacio lúdico, que no es nada más ni nada menos que el drama de la existencia humana, y la experiencia singular de cada espectador. A partir del juego actoral Calostro va buscando el momento de alivio, la risa y el humor para pasar el “trago amargo” de temas profundos que están naturalizados por nuestra sociedad de principios del siglo XXI. Este alegato a favor de los que sufren y de aquellos que están solos -ya sean niños, jóvenes, adultos o ancianos- está mediado por un vasito de vino, algún pedacito de queso de Tandil o de salamín –según desee el espectador. La incorporación de varias canciones también le otorga dinamismo al espectáculo: Yira Yira (Cuando la suerte que es grela / fallando y fallando te largue parao / cuando estés bien en la vía / sin rumbo, desesperao…) Sobreviviendo (Me preguntaron como vivía, me preguntaron / 'Sobreviviendo' dije, 'sobreviviendo'...) y Volver (Yo adivino el parpadeo de las luces que a lo lejos / van marcando mi retorno…), entre otras. Demasiado color local para que la platea no se identifique con este payaso que a pesar de su “deterioro físico” mantiene su memoria. Nosotros también formamos parte de la obra y, a pesar de que su rostro está totalmente maquillado, al mostrarnos su vulnerabilidad imaginamos que alguna lágrima rueda por sus mejillas. Humor e ironía, melancolía y cierta impotencia no impedirán al finalizar que las fotografías de los abuelos, a modo de homenaje, provoquen en más de un espectador el recuerdo de una dura realidad social.

Es importante destacar que esta propuesta es Auspiciada por la Asamblea Permanente de los Derechos Humanos, y que Calostro/Velázquez han visitado varios Geriátricos en distintos países. Ojalá que muchos sigan este camino trazado por el director para llevarles un rato de alegría a nuestros abuelos.

Rescate Emotivo (No Pasa Res). Concepción e Interpretación: Walter Velázquez. Iluminación: Ricardo Sica. Vestuario: Soledad Galarce-Melania Lenoir. Arreglo Musical: Luis Sticco: Dibujos: Valeria Stilman. Producción Ejecutiva: Andrea Feiguin. Diseño Gráfico: Exequiel Abreu. Fotografía: Alejandro Palacios. Realización Audiovisual: Rodolfo Weisskirch y Lucía Kearney. Asistencia de Drección: María Jimena López. Dirección: Walter Velázquez. Teatro del Pasillo.
Función Especial: sábado 14 de enero a las 22 horas en Guapachoza, Jean Jaurés 715, Tel: 6091-4890

http://www.guapachoza.com.ar/home.php

http://velazquezwalter.blogspot.com/

 1 Docente/actor y director/Coach Actoral [...] Dicta talleres y Seminarios de Clown/Dramaturgia y Armado de rutinas de Humor en Argentina y España. Co-fundador del Teatro Absurdo Palermo en Buenos Aires-Argentina. Cuenta en su producción como director de circo y teatro con más de 50 espectáculos, que recorrieron el mundo y sus alrededores [... ] (http://velazquezwalter.blogspot.com 18-12-2011)

LunaTeatral: ¿Desde cuándo está en cartel Rescate Emotivo (No Pasa Res)?

Walter Velázquez: Llevo adelante esta obra de teatro hace ya un tiempo, hice varias versiones, dos por lo menos de este trabajo. En esta oportunidad decidí presentarme solo, e invitar distintos artistas por noche. Este es un personaje con el que trabajo muchísimo fuera del país, en especial en España. Pero esta versión que ofrezco actualmente es un estreno absoluto!

LunaTeatral: ¿Cómo se relaciona las visitas a los Geriátricos con este personaje?

Walter Velázquez: Visite los Geriátricos con el fin de observar a modo de interés actoral, dado que yo ya había creado este personaje. Y no quería redundar en clichés de la interpretación, no quería hacer al típico viejito encorvado, tembloroso y desdentado. Mi primera visita a geriátricos fue en Alzira, Valencia  (España) de la mano de una hermosa invitación que me hiciera el grupo de teatro Engrata. Ellos tuvieron la idea original de cruzar a este anciano payaso ficticio con ancianos de verdad. Y resultó todo un éxito. Y hasta el momento he visitado muchísimos geriátricos todos en nuestro país y en España.  En cada festival que me invitan o a cada ciudad donde me llaman para dar clases pido que me consigan un Geriátrico que visitar.
Es importante decir que el espectáculo que realizo en las salas de teatro y festivales, nada tiene que ver con lo que realizo en Geriátricos, si bien el personaje es el mismo, considero mi visita a las Instituciones Geriátricas una visita social, donde los protagonistas son los ancianos, con quienes, canto bailo y mi función especifica es escuchar, estar, tomarlos de las manos, darle afecto. No hago esto con el fin de ser una especie de "Payamédico";  o alguien que cobra por enseñar la "técnica" del  "gerontopayaso”. No persigo con este trabajo publicitarme, quedar en la historia, ni engordar mi monumental ego, diciendo... "hola... trabajo con ancianos... sabes?" o "Mis lindos ancianitos"; no doy charlas, congresos ni enseño como hacerlo, porque no se como se hace, no se como lo hago... Sólo disfruto y hago reír. Eso es todo.

LunaTeatral: ¿Cómo surgió el Auspicio de la Asamblea Permanente por los Derechos Humanos?

Walter Velázquez: Haber recibido el auspicio de la Asamblea Permanente por los Derechos Humanos, es para mi todo un honor y un orgullo, que sea considerado mi trabajo por esta entidad es increíble. Nunca pensé que podría recibir por esto algo tan importante, comenzó siendo algo muy mío y cuando llego el Auspicio de la Comisión no lo podía creer. Lo cierto es que el material es considerado como un material enaltecedor de la condición humana de un Anciano y eso es increíble. Estoy muy agradecido al Dr. Santiago Pszemiarower [reconocido médico y docente, especialista en Geriatría] por habernos propuesto ante la Asamblea. Hay cosas que a uno le pasan en la vida dentro de esta profesión que son geniales, no?

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