La última pieza de Christian Lange

La sombra como la definiera Jung, es aquella parte nuestra que oculta, de igual modo invade nuestra manera de ser y de sentir. En el texto de Lange, la sombra toma un doble sentido porque está presente en el lado oscuro de los personajes, pero también en la figura de un padre, Pater noster, todopoderoso, que aún en la ausencia tiene una fuerza negra y ambivalente sobre sus hijos. Lange toma la vida del autor alemán y construye un instante, un acontecimiento, dentro de las cuatro paredes de una habitación de hotel, que lo involucra pero que al mismo tiempo lo deja al margen del protagonismo. Los personajes sus hijos, Klaus1 y Erika2, Mario Alba3 y Julieta Correa4, son criaturas atormentadas por el “éxito” de ese padre admirado, por su disciplina y su desborde, y ellos para existir deben construirse una vida nueva, diferente al margen de lo convenido para una familia y para una sociedad. El texto desliza sutilmente, con belleza, el laberinto de una realidad confusa para los otros, pero verdadera en ellos sobre su sexualidad y sobre el amor, todo tipo de amor; en un mundo de posguerra que tiene mucho que pensar y rehacer. La escritura como evasión, como denuncia, y la literatura como trampa es también el tema de la puesta, que está bajo la mirada de Flavia E. Vitale5, en su primer trabajo como directora, con la misma sensibilidad que el texto de Lange6 presenta. Los actores con su buen registro, logran crear el clima de esos dos seres desesperados, y permiten al espectador sentir el lazo comunicante que atraviesa el espacio escénico y produce la empatía. Si bien dos son los personajes en escena, la espesura de las palabras, y la fuerza de los silencios atravesando el cuerpo de los actores, produce la presencia insoslayable de ese padre, Thomas Mann, que los marcará para siempre. De este encuentro lleno de contradicciones entre Klaus y Erika, en alguna habitación de un Hotel a fines de la década del `40, tanto la escenografía como el vestuario remarcan y construyen con solvencia. Dando cuenta desde el registro visual de la tensión y de la incertidumbre pero también del amor entre los Mann. Así el blanco para las “paredes” y los muebles, los colores pastel para Erika -dueña de una voluntad de la que carecía Klaus, mientras que para él es el color marrón -un desterrado de su familia y de su patria. Un mundo en cierto sentido luminoso pero atravesado por temas como el suicidio, el exilio y la homosexualidad. El espacio real representado y la acción dramática requiere tanto de energía física como de energía emocional, ambos protagonistas se desplazan como en una jaula, como bestias aterradas o en celo, pero siempre guardando la compostura y los buenos modales que les fueron impuesto desde una sociedad hipócrita. Barrotes o blancos paños es el marco de este drama, el vestuario y los accesorios le otorgan el color y “el sabor” sepia que contiene la fotografía del programa. El arte y su exigencia de vida, de seres dispuestos a ofrendarse a sí mismos en el encuentro con la belleza, que de alguna manera los eleve de las miserias del mundo; buceadores incansables en sí mismos y en los demás, y humanos, como diría el siempre vigente filósofo alemán, humanos demasiado humanos. La última pieza de Klaus (1949) fue “una muerte anunciada”, La última pieza de Flavia E. Vitale (2011) es una propuesta poética que trasciende las fantasmas y los deseos de vivir o de morir de ambos hermanos.

La última pieza de Christian Lange. Actuan: Mario Alba, Julieta Correa. Diseño de maquillaje: Paola Constantino. Diseño de peinados: Paola Constantino. Diseño de vestuario: Rocio Di Nucci. Diseño de escenografía: Rocio Di Nucci. Diseño de luces: Daniel Bustamante- Video: Damian Coluccio. Música original: Mariano Vitale. Fotografía: Lis Rivas Nanizzi. Diseño gráfico: Lis Rivas Nanizzi. Asistencia de escenario: Lola Sierra. Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin. Puesta en escena: Flavia Evangelina Vitale. Dirección: Flavia Evangelina Vitale

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1 Klaus Mann nació en Múnich el 18 de noviembre de 1906, y fue el hijo primogénito varón del también escritor alemán Thomas Mann y su esposa Katharina Hedwig Pringsheim, perteneciente a una acaudalada familia judía. Klaus Mann mantuvo auténtica pasión literaria desde niño que abarcó todos los géneros, poesía, obras de teatro o narrativa. Frecuentó desde muy joven a las personalidades artísticas de la época. Su carrera literaria se inicia en Berlín como crítico literario y teatral en 1924, llegando a convertirse tras la publicación de su primera novela de ambiente homosexual en el “enfant terrible” de la República de Weimar. Su brillante trayectoria de autor cosmopolita sufrió un giro drástico con la llegada de Hitler al poder mediante una toma de conciencia en la que apela sin tregua contra el nazismo, convirtiéndose en uno de los más destacados representantes de la literatura alemana del exilio, primero en Europa, luego en EE. UU. Ese permanente desarraigo e inconformismo ante el inaceptable caos moral provocado por la Segunda Guerra Mundial, recorre su originalísima obra, redescubierta en su conjunto bastante después de su suicidio en 1949. (…)Por la casa de los Mann desfilaban celebridades como Bruno Walter, Hugo von Hofmannsthal o Jacob Wassermann, pero ello no era óbice para que el joven Klaus conociera todos los teatros y cabarets donde representaba junto a su hermana Erika Mann, su inseparable, alguna de sus piezas teatrales, su amiga Pamela Wedekind y su amante, el célebre actor Gustaf Gründgens. (Wikipedia)

2 Erika Mann nació en Múnich, 9 de noviembre de 1905 – Zurich, 27 de agosto de 1969, fue una escritora y actriz alemana, hija mayor del novelista Thomas Mann y de Katharina Hedwig Pringsheim. En 2001 se estrenó un documental, con partes dramatizadas, sobre su vida y la de su hermano, titulado Die Erika und Klaus Mann Story, dirigido por Wieland Speck y Andrea Weiss. El 24 de julio de 1926 se casó con el actor homosexual alemán Gustaf Gründgens, aunque ambos se divorciaron tres años después. En 1927 Erika y su hermano Klaus realizaron un viaje alrededor del mundo que se documenta en su libro Rundherum; Das Abenteuer einer Weltreise. Al año siguiente, comenzó a participar activamente en el periodismo y en la política. En 1933 Klaus y Therese Giehse fundaron un cabaret en Múnich llamado Die Pfeffermühle (El molinillo de pimienta), donde Erika escribía la gran parte del material, en su mayoría de carácter antifascista. Fue el último miembro de la familia Mann en salir de Alemania después de que el régimen nazi fuera elegido y, cuando escapó a Zúrich, salvó muchos de los documentos de su padre que guardaba en su casa de Múnich. En 1938, Erika y Klaus informaron sobre la Guerra Civil española y su libro School for Barbarians, que trata sobre el sistema educativo de la Alemania nazi, fue publicado. Al año siguiente se publicó Escape to Life, un libro sobre los exiliados alemanes. Durante la guerra Erika fue periodista en Inglaterra y, tras ella, fue una de las pocas mujeres en cubrir los Juicios de Núremberg. Junto con su hermano, estuvo bajo investigación del FBI por la homosexualidad de ambos y en 1949 Klaus cayó en depresión y se suicidó, hecho que destrozó a Erika. En 1952 volvió a vivir en Suiza con sus padres. Comenzó a ayudar a su padre con sus escritos, convirtiéndose en la difusora de sus obras tras su muerte, al igual que hizo con los trabajos de su hermano. Finalmente, Erika murió en Zúrich en 1969. (Wikipedia)

3 Mario Alba es un joven actor y docente teatral egresado de Andamio 90, su preparación incluye a maestros como: Alejandra Boero, Luciano Suardi, Magdalena León, Cristina Murta, Livia Fernán, Marta Lubos. Como actor participa en El último porteño dirigido por Franco Gili, en el espacio de La manzana de las luces, paralelamente se desempeña como docente de teatro y comedia musical en La Ferretería del Teatro en Ituizángo y en Escuelas de Educación Estética de la provincia de Buenos Aires. Fue destacada su participación en Las criadas, de G. Genet, en el papel de la señora, bajo la dirección de Florencia Suárez Bignoli.

4 Julieta Correa es egresada de Andamio 90 con el título de Actriz Nacional y Profesora de Teatro. Los maestros con quienes llevó adelante su preparación son: Claudio Tolcachir, Luciano Suardi, Inda Lavalle, Livia Fernán. Entrenamiento vocal con Magdalena León y para actores con Gerardo Finn. Actriz de teatro, tanto de teatro para niños como para adultos, fue una de las criadas en la puesta de Florencia Bignoli sobre el texto de Genet junto a Mario Alba. Sus trabajos abarcan un amplio registro, el sainete, ya que integró el elenco de El conventillo de la paloma de A. Vacarezza, como el texto Antígona Furiosa de Griselda Gambaro; en televisión tuvo varias participaciones entre ellas en la serie filmada por J.J. Campanella, Vientos de agua.

5 Flavia Vitale es actriz, cantante y directora escénica formada en Andamio 90. Estudia actuación con Luciano Suardi, Paula Ransenberg, Rubén Szuchmacher, Carlos Ianni, Miguel Ángel Santín, y Javier Torre. En dirección escénica con Alejandro Samek y Emilio García Wehbi en su taller de dirección y puesta en escena. Actualmente como actriz se destaca en la composición del personaje de Lady Bracknell en La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde bajo la dirección de Hugo Álvarez. Participó en varias comedias musicales aquí y en Chile. Como directora escénica, La última pieza de Christian Lange es su primer trabajo.

6 Christian Lange es terapeuta Corporal, licenciado en Ciencias de la Comunicación Social, especialista en Procesos Educativos (FSOC/UBA). Formado en Narrativa con Héctor Lastra, Juan Carlos Martelli, Humberto Constantini, Enrique Medina y Juan Martini. Formado en Dramaturgia con Susana Torres Molina -entre 2002 y 2006- y en la EMAD entre 2007 y 2008. Como dramaturgo, sus obras Coto de Caza, Dos a Cero, Temblores en la Boca de mi Padre, Inolvidable, Kiev y Tercero Excluido han recibido menciones y premios en diversos concursos. Fue nominado al Premio Trinidad Guevara a la Actividad Teatral 2008, en la terna correspondiente al rubro Revelación Masculina, como autor de Kiev. En su faceta de director, inició su actividad trabajando como Asistente de Dirección y como Director Asistente, con Susana Torres Molina y Alfredo Martín. Inolvidable fue su primer montaje estrenado como Director. Es miembro del Grupo Omega (Investigación sobre Estructuras Dramáticas, becario INT y FNA), coordinado por Horacio Banega. Actualmente cursa el postrado Producción de Textos Críticos y de Difusión Mediática de las Artes (IUNA), escribe, ensaya, investiga, y ejerce su actividad profesional como Terapeuta Corporal.

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La importancia de llamarse Ernesto (1895/2011) De Oscar Wilde

Los años noventa del siglo diecinueve, Londres, época victoriana1 de rigidez moral e hipocresía reinante, son los años de mayor brillantez para Oscar Wilde, donde es aclamado y celebrado como un interesante y excelso dramaturgo, así también como un dandy2 en todos los conceptos del término; mimado por los intelectuales e invitado a los más distinguidos salones de la sociedad, produce una serie de textos que encabeza El abanico de lady Windermere(1892); serie de comedias o melodramas de sociedad que culmina con La importancia de llamarse Ernesto en 1895. La doble moral, la máscara social, el esconder el monstruo que llevamos dentro ya había sido temática del autor en otro género –la novela- relato que le dio prestigio de escritor El retrato de Dorian Gray (1891). La puesta llevada adelante bajo la dirección de Hugo Álvarez traduce la fina ironía del autor, y propone a los actores un juego de enredos de salón y malentendidos producidos por el afán de la conquista amorosa, y la diversión que la sociedad negaba por pecaminosa, obligando al individuo a fingir, mentir y ser debajo de la máscara del parecer. Finalmente, la verdad que se revela hacia el final deja al descubierto no sólo las trampas del azar, sino también el ocultamiento y la falsedad de las familias, que siempre guardan algún muerto en el placard o debajo de la alfombra. La búsqueda de la mujer victoriana de un marido que sea la finalidad de su vida y su manutención, es decir un hombre “serio” juega irónicamente en el texto cuando Cecily desea casarse con el supuesto hermano de su tutor porque se llama Ernest y además porque posee una personalidad alejada de la austeridad y la rigidez, es decir, un dandy. Lo lúdico con el lenguaje se da porque Ernest suena igual que earnest, “serio” o “formal” en inglés. Con acierto, la utilización del teatro a la italiana construido con paneles de tela blanca móviles, permite que los personajes entren y salgan sin la dificultad de puertas y ventanas, ofreciendo al espectador el adentro y el afuera de lo narrado, así como también el cambio espacial de la ciudad al campo. Espacio acompañado, por la figura, como espectador, del autor en un muñeco de tamaño natural que preside la sala, y por una escenografía también blanca, minimalista y funcional; integrada por cubos que guardan elementos y que son a la vez bancos o mesas según la secuencia lo requiera. El blanco propone una mirada aséptica sobre la sociedad, que era como ella se presentaba a sí misma, una sociedad que aspiraba a una perfección moral, donde la divisiones de clases eran muy claras, y el bienestar y el confort de las clases acomodadas, se escondía tras la dura fachada de las buenas costumbres. El blanco del fondo, también como cierre, presenta imágenes del propio Wilde, de su persona y de las numerosas caricaturas que se le realizaron, junto a la letra de una canción que dialoga con la textualidad del autor. La propuesta de Hugo Álvarez ha respetado el texto dramático en su mayor parte, ya que el desdoblamiento de los personajes femeninos de Gwendolin (Josefina Vitón / Graciela Clusó) y de Cecily (Dolores Sierra / Paula Colombo) tendrían que ver con el desenmascaramiento: “el uso y el abuso de la máscara” social. Pero, este recurso junto a los paneles de tela móviles, a la escena con un tinte de comedia musical y a la canción “homenaje” del final son una forma de encontrar un ritmo y por lo tanto un sentido a la obra: el desafío de poner en escena un clásico y demostrar que determinados “valores” aún se sostienen. Los actores llevan adelante el rol que les toca jugar con solvencia y gracia, permitiéndole al público disfrutar desde la risa y la reflexión de una pieza que aparenta hablarnos de otra época y de situaciones superadas. Cada actor con sus desplazamientos, su gestualidad y sus tonos de voz le permite crear al espectador un espacio y un tiempo ficcional que no sólo le confiere al hecho espectáculo ese sentido especifico, sino que como un puzzle cada pieza tiene un encastre perfecto y cada sistema significante confluyen en una acabada puesta en escena.

La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde, traducción / versión de: Graciela Castellanos / Hugo Álvarez. Elenco: Hugo Alvarez, Judith Buchalter, Graciela Clusó, María Paula Colombo, Enrique Papatino, Gustavo Pardi, Maria Dolores Sierra, Julio Ricardo Tortosa, Flavia Evangelina Vitale, Josefina Vitón. Escenografía: Edgardo López Alvarellos. Realización escenográfica: Miguel Yanson. Vestuarista: Claudio Perez. Maquillaje y peinados: Gabry Romero. Paola Costantino como maquillaje de caracterización de Lady Bracknell. Coreógrafa: Karina Kogan. Músico: Julio Scalise. Diseño de iluminación: Daniel Bustamante. Muñeco Wilde: Lorena de la Fuente. Ayudante de dirección: David Robles. Asistente de escena: Roberto Zabala. Ayudante de vestuario: Marina Radice. Realización de vestuario: Claudia Piñeiro. Puesta en escena y Dirección general: Hugo Álvarez. Teatro Corrientes Azul.3 Viernes 21hs.

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1 En la época victoriana hubo grandes cambios con respecto al sexo, se condenó toda actividad sexual, que no tuviera como fin la reproducción, la iglesia tuvo mucha influencia, predicando insistentemente, cuales debían ser las prácticas permitidas, y condenando enérgicamente todo lo que fuera contrario a sus mandatos. Hasta inicios del siglo XVII, los cuerpos se exhibían y las prácticas sexuales se realizaban sin mayores restricciones, pero con la llegada de la Burguesía Victoriana, la sexualidad fue replegada y encerrada en la alcoba conyugal, siendo su único objetivo la reproducción, sólo los burdeles y manicomios eran la excepción, convirtiéndose en el lugar de las sexualidades ilegitimas. La grandeza británica alcanza su cúspide con la llegada de Victoria I de Inglaterra (1819-1901), quién subió al trono en 1837 y gobernó el Imperio Británico, devolviéndole la estabilidad a la corona. Su reinado es considerado uno de los más prósperos de su época, por lo cual llegó a convertirse en símbolo de un período que tomara su nombre: “la era victoriana”. Con la reina Victoria en el poder (1837-1901), la dominación británica del mundo, alcanzó niveles inusitados, su reinado convertido en emblema de la consolidación del Imperio Británico, fue testigo del ascenso de las clases medias y se caracterizó por una moralidad profundamente conservadora y un intenso nacionalismo. Se realizaron una serie de reformas electorales y sociales, la proliferación de las grandes empresas capitalistas había favorecido la toma de conciencia política de la clase obrera, a partir de inicios del siglo, las reformas fueron más radicales, en 1913, logró introducir una reforma electoral, en la cual extendió el sufragio de tal manera, que sólo quedaron sin votar las mujeres y los sirvientes.

2 Los Hombres de esta era son sin duda personajes muy particulares, siendo su característica más interesantes (y explotable a nivel rol), la famosa “doble moral victoriana”, consistente en el mantenimiento de una fachada de sobriedad, religiosidad, conservadurismo y moralidad ante el resto de la sociedad mientras que se cometen las acciones mas atroces e inmorales en el ámbito privado, en mayor o menor grado todos los individuos (especialmente los de la alta sociedad) se manejan de esta manera; pudiendo sus pecados ir desde negocios no muy legales o affaire con el servicio doméstico hasta asesinatos brutales (se sospecha que Jack el Destripador era un miembro de la élite londinense). Sin duda el personaje paradigmático de esta época es el Dr.Jekyll, el personaje de la novela de Robert L. Stevenson que era un miembro eminente de su comunidad pero se convertía en una bestia (llamada Mr.Hyde) por efecto de una poción. Los miembros de las clases privilegiadas de la sociedad victoriana siguen el modelo de lo que llaman “caballero”, una persona de ingresos cuantiosos, notorio buen gusto, modales refinados y de intachable conducta, solían juntarse en “clubes de caballeros” de diversas orientaciones (de caza, de viajes, de debate, de financistas, etc.) en los que pasaban gran parte de su tiempo libre y en los que desarrollaban gran parte de su vida social. La vestimenta era de importancia capital y los caballeros se esmeraban tanto, o más que las mujeres en lucir bien, siendo que quienes no lo lograban eran salvajemente criticados y ridiculizados, los hombres podían tener toda clase de vicios secretos; abusar de drogas (ajenjo, opio, cocaína), manifestar tendencias sádicas o masoquistas, frecuentar burdeles y diversas desviaciones sexuales (muchas personas escapaban de las inmensas represiones de la sociedad en el único lugar privado: la alcoba. ) El dandysmo según el filósofo Tomás Abraham proviene de la mirada estética, “ésta es una puerta de entrada el novedoso tema de la “personalidad”. Ser una personalidad interesante es un nuevo ideal derivado de las filosofías de la subjetividad. Buscar el modo de ser singular, autor de la propia vida, original en la obra. (…)Sin embargo, esta tarea puede convertirse en un espejismo y en una trampa. Una persona estética es la que busca el placer inmediato. Vive al instante y en el instante. Hoy la calificaríamos en el rubro del maníaco del consumo. Todo lo quiere comprar, es esclavo de las grandes marcas y siervo de la imagen. Se desvive por aparecer en la televisión y se arrastra por conseguir quince minutos de fama. En aquella época no era el consumismo el denuesto adecuado para condenar una de las formas de la frivolidad, sino el dandysmo de boulevard, la pose en el palco del teatro, la vestimenta llamativa, y la personalidad excéntrica.” (La caja digital, La página de Tomás Abraham) En este contexto, la situación de las mujeres en la Era Victoriana eran relegadas a un segundo plano, aquellas que pertenecían a las clases altas llevaban una existencia que a simple vista podría parecer medieval, aunque existían numerosas diferencias, en la mayor parte de los casos se casaban de bastante jóvenes con caballeros que sus padres y hermanos elegían de entre sus pretendientes por su condición económica y social, una hija mujer era vista como poco menos que un castigo por un padre y era casada tan pronto como era posible, como ya se dijo, recibían un trato cuasi-medieval, enseñándoseles desde la infancia las labores de una dama, el protocolo para toda ocasión social, la doctrina religiosa, determinadas artes y algunos idiomas, estas damas eran quienes mantenían activa gran parte de la vida social de la época, organizando en sus lujosas viviendas bailes, tes, ágapes y tertulias a los que solo eran invitadas las personas que por su riqueza, fama, prestigio o carisma eran consideradas dignas, determinando de esta forma quién y qué esta de moda y quién y qué no lo está, estos eventos eran de enorme importancia, además, porque en ellos se conocían personas de condiciones similares a las propias y se presentaba en sociedad a hijos e hijas en la edad apropiada. (Extraído del artículo “La era Victoriana” del Dr. Daniel Estévez.)

3 La sala Corrientes Azul es una sociedad sin fines de lucro que fue fundada por el grupo de Teatro Mascaraazul el 23 de abril de 2004. Este grupo teatral inició sus actividades por iniciativa de Hugo Álvarez en Suecia en el año 1991, desarrollando una intensa actividad teatral en dicho país y a partir de 1997 en la Argentina.

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